12.27.2011

crítica ¿QUÉ FUE DE LA NIÑA JUANITA? Manuel Monteagudo/M paz Sayago. 26 dic La Fundición. Sevilla.



Un adelanto de mi crítica.


En breve, al completo, donde siempre, http://www.masteatro.com/.


"... los episodios de estas “antihermanas” inspirada en el clásico que todos transportamos ayer al teatro, ¿Qué fue de Baby Jane?, no nos reporta humor 100%, sino acidez, sarcasmo con un topping de tristeza. La fórmula magistral que ha elaborado el tándem Monteagudo/Sayago es efectiva y efectista. Aunque el arranque es pausado y resume en un rápido flashback el pasado de la pareja, nos va conduciendo con inquietud a un planteamiento que no se nos antoja divertido, mas truculento. El nivel de interpretación en unos personajes, mitad caricatura/mitad humano, no defrauda. Hay destellos estratégicamente repartidos que aligeran esta venganza “hermanada” con la frustración. Escenografía mimada y llamativa que resuelve ambientes y aporta dinamismo a la casa de las hermanas Cunningham. Sincronización reparto/atrezzo impecable y un público atento al desarrollo y comparando -en el sentido más curioso e intrigante de la palabra- la pieza en sí con el film de la Davis. Guiños puntuales a nuestro cine los cuales, al pasar de puntillas, quedan en un acierto -Marisol nos sonríe desde lejos... Monteagudo recrea y da vida a la arista más esperpéntica de la hermana vengativa (a lo Bette Davis) y Sayago colorea impecable con su voz la cantinela lastimosa de su personaje (a lo Joan Crawford)..."

12.21.2011

momentum_9 Si pasan las horas/se passam as horas (portuguese version)



a ou b.- Se passam as horas e não marcas o meu número, se passam os dias e te esfumas sem mais nem mais, se vai passar o que tem que passar, deixa que passe o quanto antes. Que me quero concentrar e olhar para onde se puder olhar. Onde seja fácil, onde se me abrace intensamente e não com a intensidade medida. Onde se possa descansar com o relógio enterrado, e os que se foram, os que foram, bem enterrados. Se vai passar o que tem que passar, por favor, faz com que passe o quanto antes. Que quero dormir e talvez sonhar, que quero descanso sem medida e não o sono sobressaltado que de nada serve. Se vai passar o que tem que passar, avisa o quanto antes para contar desde o princípio outra vez. Para não ficar na metade do nada, pois os números, já se sabe, são tão infinitos...


Trad. Joao Alves

de la obra ©DEADLINES de carlos herrera carmona



a o b.- Si pasan las horas y no marcas mi número, si pasan los días y te difuminas sin más ni más, si va a pasar lo que tiene que pasar, deja que pase cuanto antes. Que me quiero concentrar y mirar donde se pueda mirar. Donde sea fácil, donde se me abrace intensamente y no con la intensidad medida. Donde se pueda descansar con el reloj enterrado, y los que se fueron, los que fueron, bien enterrados.
Si va a pasar lo que tiene que pasar, por favor, haz que pase cuanto antes. Que quiero dormir y tal vez soñar; que quiero descanso sin medida y no la duermevela que de nada sirve.
Si va a pasar lo que tiene que pasar, avisa pronto para contar desde el principio otra vez. Para no quedarme en mitad de la nada, pues los números, ya se sabe, son tan infinitos...





12.18.2011

crítica HOMOTEXTUAL_adrián figueroa_TNT atalaya. sevilla. 18 dic.



Adelanto de mi crítica "Eroticidad y denuncia" sobre esta pieza. En breve, el artículo al completo en http://www.masteatro.com/


"... recién llegado de su gira española (Bilbao+Madrid) Figueroa tensa músculo, tensa mirada y su despliegue semiótico hace blanco en la butaca del espectador. El tag de su danza: Que tu mente no traicione el inconsciente.
La eroticidad se alía con la causa. El público es interrogado, pues Figueroa nos convierte en cómplice y culpable de la materia que denuncia y anuncia. El bailarín se mezcla con nosotros para que su cometido se propulse desde el epicentro del patio de butacas. Según nos cuenta él mismo en camerinos: “El público es el otro 50% de toda esta creación“.
Las contradicciones que va desparramando -…soy agnóstico, pero rezo en los aviones / soy bisexual, pero asexuado…- mientras las embellece con sus movimientos, nos hace sonreír por lo ingenuas al tiempo que nos deja tocados -he ahí la cuestión- por lo atinadas. Nos demanda si es provocador, y enmudecemos; nos acusa, nos selecciona con sus dedos vibrantes, como su coreografía- y volvemos a enmudecer. Su baile no sólo remueve el papel triturado con el que alfombra y desalfombra la escena -nunca el papel ha sido algo tan líquido…
"






12.17.2011

crítica VERANEANTES_Kamikaze prod_teatro de la abadía. Sevilla. 17 dic.





Extracto de mi crítica "VERANEANTES: Se tensó el arco", para http://www.masteatro.com/ sobre este obra.

http://www.masteatro.com/critica-de-veraneantes



"...Tengo predilección por aquellos personajes que dan sus últimas bocanadas en el escenario por no contar ni con su propio conflicto al que agarrarse; admiro la dramaturgia que sólo me muestra la punta del iceberg del desencanto o de un existencialismo taimado o que sólo me deja con el logos interruptus. Soy de aquéllos que aún piensan que los personajes puedan estar fabricados a nuestra imagen y semejanza, o que la escena sea espejo cóncavo y convexo de lo que nos tumba y retumba; o que esos mismos personajes disparen, se escabullan y nos velen tanta información que seamos meros voyeurs con un único billete de ida; o que el buclage que comenta Michel Vinaver, en lo que al diálogo teatral se refiere, pueda ser la única y triunfal base de esta pieza. Hoy he visto algo por el estilo en el Central hispalense.
Del Arco juega estas cartas, pero su reparto ha establecido de antemano las reglas. Tal vez la intención de la mano que mece esta cuna junto al mar prefiera quedarse tras el biombo. Sea como fuere, me arrastra más el ruido y la furia de los/las intérpretes, que la capacidad de aquella mano, pues es sabido que los puentes han de temblar para que la tensión no los quiebre..."










12.11.2011

crítica SALOME. UN CUENTO SINIESTRO. 10 dic sevilla. TNT.



http://www.masteatro.com/critica-de-salome-un-cuento-siniestro


un extracto de mi crítica:


"Para la burguesía de la época, la máxima de Luigi Pirandello, aquélla de que al espectador hay que meterle el dedo en el ojo, no resultó del todo desencaminada. Otro cantar somos nosotros, el público de hoy en día, más emparentados con los hollow men de T.S. Eliot, quienes, aunque aparentemos mucho, volvemos a estar igual de huecos, al menos en lo que al Amor se refiere. El autor que firma este cuento siniestro hace caso omiso a Eliot y se decanta por Pirandello, pero en vez de dedo usará un cincel ardiendo. Como Dios manda.
Salomé, el personaje que encarna y descarna notablemente Beatriz Ortega, retoma la fierezza de la palabra para rellenarnos dicha oquedad. Salomé denuncia a (San) Juan, lo mantiene en un potro de tortura y le reclama, le suplica, le pide explicaciones, se las da, se las quita, se las devuelve en forma de cantares en su cabaret gótico y subterráneo. No importa que Juan sea invisible. Ella lo materializará a base de puyas, de versos, de diálogos a cuatro voces, que hacen corpóreo al verdugo de su corazón. Aunque estemos sentados a su mismo nivel, la actriz nos pasea por las cañerías del no-amor, ésas que se atascan cada vez con más frecuencia y que sólo el Teatro cuenta con el poder de sanearlas..."



























12.10.2011

reseña de OYE YOE de manuel cañadas. endanza. sevilla. 9 dic.

http://www.masteatro.com/critica-de-oye-yoe-sindrome-de-ausencia


"... Siempre ando citando a los grandes para sustentar mis palabras y que de esa forma, si caen, lo hagan sobre una red segura que las amortigüe. Sin embargo, esta vez, y con la venia de los grandes, yo, minúsculo autor, haré uso de aquéllas que expresa uno de mis últimos personajes para emparentarlo con este Yoe que Manuel Cañadas nos asoma. Y digo asoma, puesto que lo de ayer se denomina work in progress, algo así como “asómate a mi laboratorio donde ando investigando con mis brazos, con mis piernas, con mis/las sensaciones, con flecos de sonido urbano, con voces/gritos/susurros en off; a media luz y con toda la luz posible, con elementos y sin ellos, para que seas testigo de lo que estoy creando para un futuro, para que seas consciente de lo orgánico, cambiante, sutil que puede llegar a ser la dedicación de un bailarín y su recorrido en zig-zag desde el germen hasta el fruto....”.




12.04.2011

crítica LA VIOLACION DE LUCRECIA_por nuria espert. teatro lope de vega.sevilla.4 dic



en breve, mi crítica al completo donde siempre, en http://www.masteatro.com/

un adelanto:


"... Tomaré como testigo mis propias palabras, las que usé ayer para hablar de Rafael Alvarez El Brujo y les daré hoy y ahora género femenino para comenzar esta opinión: Espert: actriz y verbum.
Ambos, cada uno en su cuerda, entonan el himno a la Palabra, y la audiencia, ensimismada, sigue y persigue lo que la Palabra descubre, encubre o bombardea. Ayer, en el Teatro Quintero, relajación en la butaca; hoy, en el Teatro Lope de Vega, agazapados por lo que pueda pasar. El terror se aproxima invitado por la Espert y ésta, tan sólo escudada por el legado del bardo anglosajón -alto signo viviente- nos regala este cuento gótico antes de dormir. Si ayer el laberinto del monólogo de El Brujo nos sorprendía con chanzas e ingenio, hoy la escena es una presa a punto de estallar. La Espert, en una multiplicidad de egos y ánimas, se empeña en tapar la grieta, se esfuerza por prevenir lo irreparable; nos acucia con el verso, nos anima a que entre todos retardemos la truculencia de Tarquino quien, despechado por haber sido necio e incrédulo, viola a Lucrecia para después darse caducos golpes de pecho. Un alto en la odisea: oímos el ultraje, sentimos cómo la dama es mancillada, aunque sólo los alaridos, los empujes de dos bestias, una herida, ella, y un hiriente, él, anegando la sala. La Espert tensa el arco aún más. Ella misma, experta arquera, se encarga de escenificar duelo, lamento, moral y muerte.
Los diálogos agresivos se vuelven una absoluta reivindicación. La actriz se sumerge en un postulado en defensa de Lucrecia. Se desgañita, esgrima, exuda poesía; a veces la naturaliza -con esmero siempre- a veces esa palabra-daga haría daño al propio Shakespeare quien aplaudiría de puro gozo: sólo autor y actriz se comprenderían en este misticismo… ".









12.03.2011

crítica UNA NOCHE CON EL BRUJO_teatro quintero_sevilla 3 dic




mi crítica de este montaje, en breve, donde siempre, en http://www.masteatro.com/



un extracto:



"Palabra hecha carne. No más. La palabra que tanto nos cuesta pronunciar u oír a veces. La palabra-sable, la palabra-ungüento, la palabra-bengala, la palabra-sabia; palabra que Rafael Alvarez el Brujo exporta del presente al pasado e importa del pasado al presente, y se viste con ella y reviste a la escena de lo que tanto cuesta hoy en día usar con propiedad.
Actor y verbum: filigranas del lenguaje, la sintaxis guasona y puñados de retruécanos y retrancas. El Brujo te inicia en su periplo y crees que te está guiando, pero tan sólo te está perdiendo en su laberinto adrede; y te corta de inmediato el hilo que te permite encontrar la salida para plantarte frente a su minotauro que se trata, nada más y nada menos, que de la Verdad.
Todo lo que desparrama es cierto: cierta la sátira a diestro y siniestro que con mueca bufonesca -y por ello, infalible- desembucha para quedarse aliviado y dejarnos en puro desasosiego; veraz y certero el verso que entona cuando él lo cree justo y necesario para que sepamos el inmenso valor que un sintagma tiene y contiene bajo un cenital cuando éste se imposta como Dios manda. Y su corriente subterránea que reclama que ha de volver la Palabra a la escena, pues suyo es el poder y la gloria. Amén..."








11.27.2011

crítica QUEIPO, EL SUEÑO DE UN GENERAL de Alvarez-Ossorio. Teatro Juan Bernabé, Lebrija. Sevilla. 26 nov.


ayer estuvimos viendo QUEIPO.

mi crítica en: http://www.masteatro.com/critica-de-queipo-el-sueno-de-un-general







"Comenta Dechent del personaje al que le da vida, Gonzalo Queipo de Llano, que su sombra aún planea por la ciudad de Sevilla. De hecho, la palabra Queipo para mi -nacido en el 70 y en Sevilla, pertenece a la infancia, cuando, llevado por esa fe de algodón de feria que nos regalaban para hacer la comunión- entraba yo en la Basílica de la Macarena -edificada sobre las ruinas que dejó el bombardeo del local “rojo” que allí existía- y veía -y veo…- la tumba de este militar cretino y pomposo en pleno altar y su fajín escarlata alrededor de la cintura de la imagen de la Virgen -fajín que ha lucido hasta hace no mucho. Sevilla mostrando, para variar, más sombras de su barroco que sus luces. También oía yo cómo algunos sordos de mis conciudadanos seguían llamando a la avenida principal de la ciudad, bien entrada la democracia, tal y como cuando fue bautizada con el nombre de aquel militar, despiadado y ególatra, al que Dechent le pone alma, carne y hueso con la veracidad que siempre desprende su voz.
Ayer asistí a la lección de historia de España por la que pasaron de puntillas -y algunos la obviaron directamente- mis profesores en los 80. Alvarez-Ossorio recopila a través de un exhaustivo trabajo de investigación histórica, documentación y archivística la vida y milagros de este Queipo de Llano, la reestructura y nos la ofrece en forma de guión dramatizado. Agradeciendo su labor de informador y denunciante, cierto es que la densidad de datos y eventos concatenados restan la velocidad necesaria para mantenernos atentos al cien por cien y la denuncia en toda regla vele y solape instantes dignos de elogio a nivel interpretativo."

11.23.2011

crítica DON JUAN TENORIO_Teatro Clásico de Sevilla_Teatro Quintero_23 nov






Anoche, Tenorio en Sevilla.

Mi crítica "Y resucitó de entre los muertos", donde siempre:




Un extracto:

"Ortodoxa y leal, esta producción de Teatro Clásico de Sevilla, prorrogada desde 2005, ha adquirido la perseverancia de aquel elefante que inventó Saramago al seguir ésta su andadura con paso firme, recordándonos una leyenda sevillana/universal en forma de teatro y verso. Y recuerdo al portugués y a su paquidermo, porque los versos de Zorrilla han recibido desde que fueron concebidos todo tipo de envites; versos exaltados y criticados por unos, mofados o imitados por otros, e incluso ninguneados por algún que otro filólogo, mientras que la puesta en escena que sucede en el Quintero sale airosa y conduce con pulso y sin temblor la obra de este autor como aquel elefante, con su pisar plúmbeo y aparentemente ajeno a lo que a su alrededor pueda ocurrir, es decir, al siglo XXI, donde los fantasmas, si no se nos aparecen en 3D no son fantasmas, y un remordimiento actual que debe oler a alcanfor porque parecemos impermeables a él. Tal vez lo primero sea discutible, pero el remordimiento del que Don Juan presume carecer, pienso que es asunto de rabiosa actualidad, aunque el cretino se jacte entre tumbas y espadachines. Hoy en día el hombre sigue temiendo lo que pueda haber más allá y lo que puedan decir de él una vez deje el más acá, y Zorrilla, nos lo subraya..."










11.21.2011

crítica DE HIROSHIMA A NAGASAKI.arden producciones.teatro duque-la imperdible.20 nov







"Haber asistido a esta representación en un día como el de ayer, se puede considerar, sin lugar a dudas, como una ironía, un guiño del destino, máxime cuando a esa hora el público allí presente, a no ser que estuviera consultando en sus novísimos móviles - costumbre cada vez más deplorable en nuestras salas- el candente resultado electoral, desconocía sus designios como ciudadanos.
“De Hiroshima a Nagasaki” trata de sacudir -que no levantar- la alfombra política de nuestro reino a fin de airear -que no incidir- lo que ésta esconde. Dada la cantidad de textos dramáticos que se han servido de la escena para catapultar revoluciones, ideologías o demagogias, el texto que firman Cornelles y Cardeña se podría conformar con ser un ligero aperitivo, un refrigerio, un vermut. Si ese ha sido su cometido y no otro: OK."










11.17.2011

crítica LA GRAN MANSANA_ Selu Nieto/Miquel Crespi. la fundición. Sevilla. 17 nov.

masteatro.com ha estado en el estreno de esta singular pieza llena de vitaminas y vitalismo, tan urgentes hoy en día.

http://www.masteatro.com/la-gran-mansana-teatro-vitaminado-en-la-fundicion

Aquí, un extracto de mi crítica:





"... La creación de Miquel Crespi y Selu Nieto se podría subtitular con un solo vocablo: vitalidad. Ambos siguen y persiguen la máxima de que al teatro se debe ir con expectativas y volver a casa con alguna lección aprendida. El enseñar deleitando, sin ir más lejos. En el corazón de la gran manzana que inunda y preside la escena, sombrero de copa gigante donde el personaje, Ricardo Capdevila, soberanamente engendrado por Selu Nieto, habita y/o sobrevive, es el maestro de ceremonias. Su microcosmos se abre para y con nosotros. Y dentro, su intimidad en forma de variopintos cachivaches e inventos, una juguetelandia que ejemplifica la vida y milagro de este bebé grande, de este risueño Peter Pan que sólo exige dos cosas: volar y ser feliz..."

11.11.2011

crítica LA VALQUIRIA_wagner_teatro de la maestranza, sevilla_11 nov





un extracto de mi crítica. para leer más, donde siempre, en http://www.masteatro.com/




"Partiendo de la definición de Lourdes Jiménez de que Die Walyria/La Valquiria es un “gran caleidoscopio de amores”, podemos constatar dicha aseveración desde la primera alzada de telón. Los potentes diálogos de Sigmund (José Ferrero, Tenor: Mejor cantante revelación Teatro Liceu) y Sieglinde (Petra Lang, Soprano) y de impacto sin igual dado el amor incestuoso que se profesan, nos hace pensar en la controversia que tuvo que causar en su época dicha escenificación. Encendida la llama en el acto primero, pasamos al segundo con una remembranza a Shakespeare en una esposa ladymacbethiana, Fricka (Iris Vermillion, la que más nos convence de que estamos en el espacio…) que atormenta, confunde y convence al dios padre todopoderoso de este reino astral y convulso, Wotan (Michael Volle, Barítono). El debate verbal que mantienen subidos en grúas en delicado y estudiado vaivén que sobrevuelan el foso donde toca la orquesta, hace encoger el estómago a más de un espectador..."










11.02.2011

©momentum_42_impermeable



















X.- Veo que ahora te gusta el té.
Y.- Me gusta desde hace tiempo.
X.- No mientas.
Y.- No empieces.
Pausa

X.- Pues yo ahora tomo tónica. Me sienta mejor que el té.
Y.- No mientas.
X.- No empieces.
Silencio.

Y.- Pienso que deberíamos hablar...
X.- … que conste que te he llamado yo…
Y.- … que debemos resetear lo nuestro...
X.- …que conste que si yo no te llamo, no estamos aquí...
Y.- … necesito saber en qué punto estamos…
X.- … reconoce también que he sido yo quién ha insistido...
Y.- … buscar una dirección para los dos…
X.- … ahora veo que tomas té…
Y.- … respeto que quieras tomar otro rumbo…
X.- … tú que odiabas mi momento té
Y.- … que quieras modificar tu hoja de ruta…
X.- … tú que odiabas mi momento llamada...
Y.- … no estamos obligados a soportarnos eternamente…
X.- … tú que odiabas todos mis momentos…
Y.- ÓYEME.
Silencio.

X.- Toma. Paga lo mío que yo me voy. Hoy no es mi día.
Y.- N
unca es tu día.
X.- No me conocéis.
Y.- No me hables en plural.
X.- Ya te lo he dicho. No es mi día.
Y.- Pues yo no lo voy a consentir. Creo que debemos hablar, que tú hables, que yo hable, que nos escuchemos.
X.- No me conocéis.
Y.- ¿Quieres hacer el favor de no hablarme en plural?
X.- Si lo que quieres es terminar, te lo pongo fácil. Se acabó. Fue bonito mientras duró. Me voy.
Y.-  Sólo te pido que me digas qué camino he de seguir contigo, y si te estorbo, no te seguiré.
X.- No me hables de estorbos tú, impermeable siempre a todo.
Y.- ¿Impermeable? ¿Yo? ¿Y tú? Si al que no te baila el agua, te lo sacudes.
Pausa
X.- Y ahora, ¿por qué?
Y.- Por qué, ¿qué?
X.- ¿Por qué te gusta el té?
Y.- ¿El té?
X.- Sí. El té. Dime. ¿Por qué?
Y.- ¿Que por qué me gusta el té?
X.- Sí. El té. ¡El té! ¿Por qué te gusta el puto té ahora?
Y.- ¿Que por qué me gusta ahora?
X.- Sí. Dime. Dímelo. Dime por qué.
Y.- Me gusta. Sólo eso. Me gusta el puto té.
X.- Cambiarás. Ya lo verás. Y muy pronto tomarás tónica. Como yo.
Y.- No quisiera empezar la típica cadena de reproches, por favor.
X.- A mi no me importaría.

Y.- ¿Qué vas a hacer cuando se te rompan todos los platos?
X.- No quiero pensar que tienes mala leche, así que voy a pensar que esta frase no tiene mala leche.
Y.- No sé cuántas veces me has fallado hasta la fecha y sigo aquí. ¿A eso lo llamas ser impermeable?
X.- No pienso justificarme ante vosotros.
Y.- No pido que te justifiques sino que me des un itinerario para poder seguirte, joder... 

X.-La tónica es más refrescante. La quinina tiene poderes curativos: Antimalaria. Antipirética. Analgésica. Y con limón o con lima, por favor, para que se carguen de electricidad mis dientes. Pero sólo la cáscara, porque la pulpa hace estallar las burbujas… y nada mejor que las burbujas… Maldito aquél que las haga estallar… La burbujas no se estallan. Las burbujas flotan para ser contempladas y que reflejen nuestros ojos y se los metan dentro para que nadie pueda entrar. ¡Maldito aquél que las quiera hacer estallar!
Pausa.
Fundido hasta el oscuro. Un único recorte de luz sobre el rostro de X.

X.- …no sé por qué bebo esto…
Pausa

X.- … no sé por qué uso frases que no son mías…
Pausa

X.- El día a día debería ser un rodaje infinito. Quiero mi guión nada más despertar, para saber qué decir, para que los demás sepan qué decirme a cada momento…
Pausa

X.- …que sólo me observe la cámara porque ella no puede hablar…
Pausa
X.- No me gusta la tónica, ni el día a día, ni las palabras a destiempo, ni mis palabras a destiempo.
Pausa.

X.- Nada me calma la sed. El ir de acá para allá no me distrae, porque ya me despierto así.
Pausa.

X.- ¿Mea culpa?
Oscuro. Golpes. Gente. Sirenas. Metales. Recorte de luz sobre el rostro de Y.
Y.- ¡Despierta! ¡Despierta!
X (en off).- No me conocéis. Y si no me conocéis, pedid el guión. Así sabréis qué decirme. Así acertaréis siempre y las burbujas no estallarán cada día.
Oscuro final.
 



(foto arriba: ismael múrtula/benjamin lozano_ de la obra ©EL INCORRECTO)

10.30.2011

crítica BTWIN BARCELONA BEIRUT+WHERE THE THINGS HIDE. danza icaS. 29 oct Sevilla

mi crítica de este sorprendente trabajo de María Campos y Guy Nader en colaboración con el Centre de creació de dansa, La Caldera y Beirut International Platform of Dance se puede ver en el siguiente enlace masteatro.com, revista de actualidad teatral:

http://www.masteatro.com/critica-de-btwin-barcelona-beirutwhere-the-things-hide


10.26.2011

otra vez gracias...



...a los que siguen mi blog desde diferentes países... maravillado que estoy. gracias desde sevilla, españa. OLE.

10.23.2011

FIN DEL FEST, FIN DE FIESTA_ la crónica











El FEST hispalense ha acogido durante una semana a cómicos de la legua, a bailarines, a creadores y a entusiastas que no se han rendido ante el obstáculo que supone hoy en día la aventura escénica. Han venido desde Holanda, Francia, México, Alemania, Corea, Chile, Reino Unido, Israel, Argentina, Bélgica y, por supuesto, desde diversos y distantes puntos de España y Andalucía. Muchos de ellos con premios internacionales en sus carreras, alta profesionalidad, arriesgadas apuestas, novísimos lenguajes y, sobre todo, pluralidad y fidelidad de la pièce bien faite.



Ni que decir tiene que Sevilla, territorio para la ocasión, genera sin querer hacia ella, para lo bueno y para lo malo, para los de dentro y para los de fuera, un eslógan permanente: odi et amo. Aquí nos movemos en masa algunas veces, y otras, nos subimos a un efecto péndulo que las más de las veces nos juega pésimas pasadas. Sevilla ante el FEST es una muestra de ello. De ahí, que se recomiende a Sevilla -mi ciudad- a aprender a rendirse ante lo evidente, ante un festival escénico con nombres de renombre y con un contundente y sobresaliente conjunto de obras que merece el lugar que le corresponde: muy arriba. El balance ha sido indudablemente óptimo, sin embargo, para el próximo año, la ciudad deberá rebasar este resultado con creces. La visión cosmopolita y sorprendente que nos ha traído este FEST es justamente lo que el espectador de hoy debería incluir en sus deberes: apertura global y aprendizaje de cada uno de los mensajes que estas compañías han ido desgranando por espacios -llamados topos para la ocasión- que se han visto desbordados de puestas en escena que, sin este escaparate, no habrían estado a nuestro alcance.




El simpático “pestillo” con el que se cerró el festival anoche de la mano de Juanjo Macías (Premio Escenario 2011 por “La gloria de mi mare”) era un surtido de humor imparable, de pizcas de sátira, y como condimento, la denuncia -porque para eso estaba sobre las tablas, dueño y señor, como debe ser- entre malabarismos de gracia+talento y una improvisación de fantástico “desmadre” de casi dos horas. El trovador hacía pública entre bromas y veras la necesidad de que el arte, el trabajo de los cómicos debe ser recompensado a tiempo así como más tiempo en los escenarios. Su jarabe medicinal -su crítica- con sabor a fresa, nos lo tomamos sin rechistar y sin parar de reír.


FEST 2011: una experiencia sin igual. Espero y deseo volver a asistir y a disfrutar en 2012. Para terminar, mi agradecimiento a Isabel Blanco, directora del FEST/Endanza por su gentileza para con esta web y desde aquí reconocer su esfuerzo invertido en esta genial muestra multicultural de teatro




con Juanjo Macías, ayer noche tras el su monólogo clausura del FEST.

crítica LA GEOGRAPHIE DU DANGER_cie hors série_FEST sevilla



este artículo también se puede ver en http://www.masteatro.com/

 

A pesar de contar con un amplio espacio escénico y una decena de focos sobre su cabeza, Hamid Ben Mahi prescinde de todo esto y se decanta, sabiamente, por una claustrofobia kafkiana y por una intimidad sobrecogedora para su denuncia, para su baile “clandestino“.

Como si de un animal asustado se tratase, deslizándose a modo de humo por el escenario, el bailarín nos sitúa contra las cuerdas en el delicado y frágil tema de las fronteras, y por ende, de las razas.

Nuestra ignorancia nos conduce a ser intolerantes, y nuestro rechazo empuja a seres, como el que este artista encarna, a arrinconarlos en un búnker de soledad y de desprecio. La rabia que cualquiera de estos seres es capaz de sentir, los conatos de suicidio y el hambre quedan reflejados tanto en sus movimientos como en las pausas asfixiantes donde se repliega y medita para forzarnos a que nosotros hagamos exactamente lo mismo.

El teatro ha de ser púlpito y espejo de lo que al Hombre le sigue pasando; de la mano de representaciones como ésta, estamos obligados a mirar hacia el lado menos apetecible de nuestra sociedad. Y un único hombre, aislado, Hamid Ben Mahi, con su cuerpo, con su mirada feroz y perenne a la audiencia desde el inicio de su geografía del peligro, arropado por la voz en off, literaria, poética y cruel -extractos de la novela de Hamid Skif-, elabora un tejido de danza y denuncia, de elegancia y salvajismo contenido que nos obliga, indudablemente, a detenernos y hacer balance.

A destacar, la iluminación que el mismo artista controla, y, cómo no -pues de eso se trata también-, su danza, ora tribal ora urbana, cuajada de la fierezza que nos propulsa más allá de su encerramiento.

Seamos tolerantes, ya que como apunta Hamid Skif a propósito de que nos podamos creer superiores, pone en boca de su personaje lo siguiente: “Cuidad los gusanos blancos de mi cadáver, pues se convertirán en mariposas algún día”.




10.22.2011

crítica AL MENOS DOS CARAS_projects in movement_ FEST sevilla 21 octubre

este artículo también se puede ver en http://www.masteatro.com/


En la esmerada web de esta compañía,
www.projectsinmovement.com, la sinopsis de esta representación que tuve la fortuna de ver ayer comienza igual que ésta: Un hombre camina encima de un muro y remata con a un lado el viaje exterior, a otro el espacio firme. La pregunta que nos arroja es la siguiente: Un acontecimiento tiene tantas caras como espectadores, ¿cuál es tu punto de vista?
Sharon Fridman, direccción artística y con proyectos para el Suzanne Dellal Center, nos sitúa ante su creación con el amplio margen de la interpretación más libre, y, por ello, más íntima.


Mi punto de vista, de golpe, ahí va: Angustia. Porque recibo tal vez la desazón que emanan los bailarines Bazi, Ramirez-Stabivo y el propio creador. Indivisibles en sus piruetas, Al menos dos caras me lleva a pensar en la necesidad de contar con el apoyo del Otro, que la carga debe ser compartida, y con el peso de ésta, adosado, la segunda piel: el sufrimiento. Con su escenografía desplegable e “iluminada”, los bailarines parecen atravesarla con la misma facilidad que ésta parece encerrarlos. Una mirada voyeur de un tercero en discordia, va materializándose hasta formar parte de lo que antes sólo parecía territorio de dos. Una ventana de dentro hacia fuera o viceversa. Las espaldas de los bailarines se retuercen en aras de la necesidad por el contacto de ambas; los dedos se desplazan elásticamente sobre ambos cuerpos; golpes contra el suelo contrastan con lo etéreo de momentos tales como el recorrido a pie por los tejados de los muros. Es vertiginoso, fugaz, puede que agotador, recorrer los sublimes espasmos de la coreografía en determinados instantes, de ahí que me llegue -tal y como me lo preguntan en la sinopsis- a un estado de angustia.

Con Al menos dos caras, me surgen dudas con barnices existenciales: ¿Quién mira a quíén? ¿Quién tiende la mano a quién? ¿Quién sueña a quién y con quién? ¿Quién necesita ayuda? ¿Quién nos sostiene? ¿Y a quién sostenemos? ¿Contamos con esta fuerza o nos la da realmente el Otro?
La reciprocidad y la entrega se me antojan como solución convertida en danza, en espirales de movimientos que empieza en un muro y termina, milagrosamente, en un hombre mirándonos -aquél que siempre observa, desde una ventana.

10.21.2011

crítica LOS PECES NO VUELAN_la mona ilustre_FEST sevilla 21 octubre


 La mona ilustre, compañía chilena que va recorriendo nuestro país en estos días y que próximamente lo hará en Francia, recala hoy en este FEST que mañana dará a su fin.



Se definen estos artistas a sí mismos como hacedores de un teatro popular, de un teatro humano, de un teatro terrible. Sin embargo, y a mi entender, la etiqueta que mejor les encajaría, visto lo visto, es la de “escuela de teatro”. Sólamente hay que entrar en la sala en penumbra y toparse con una montaña llena de enseres que intrigan, deliciosos cachivaches arrumbados estratégicamente; una escena preparada, lista para el abordaje de la mentira que necesita el teatro para que el teatro pueda ser verdad; artilugios que los personajes/utilleros/iluminadores van quitando, poniendo, levantando, escondiendo, desvelando, girando, acercando, alejando, apareciendo, oscureciendo y todo para que su propuesta, su cuento con tintes de Lewis Carroll, de peces flotantes, de hermanas en clave de Ionesco, les quede lindo. Y aciertan.
Cuenta esta pieza, además de una coreografía mimada, con un texto suscinto en ellas y verborreas apetecibles y pomposas en ellos. Hay trampa, lo advierto: el acento: la melosa cantinela del sur de América, que dota a los diálogos de vaivén y musicalidad y que nos deja absolutamente embobados. Merece la pena dejarse atrapar y, sobre todo, estar muy atento a cómo trasladan esos objetos de cartón, madera y papel; cómo los manejan transformando el caos inicial en el orden que exige la escena en cuestión. Merece la pena, como digo, restarse años al acudir a esta representación a fin de retroceder hasta la infancia: es la clave para adentrarse en ese desván donde los actores retan a las perspectivas de un teatro a la italiana y nos sorprenden sacándole un elástico partido a paragüas, gabardinas, teléfonos… elementos domésticos que en sus manos resultan potencialmente teatrales. De ahí lo de “escuela de teatro”. De ahí lo de sencillamente magistral.La mona ilustre, un manual imprescindible en la mente de cualquier teatrero para saber -si le queda alguna duda- cómo usar la luz, lo minúsculo y lo aparentemente banal como pilares de cualquier historia.

Presumen ellos de merecidos premios, entre ellos, el Duque de Lerma, por obra, montaje y actriz. El 22 de octubre lo tienen de nuevo en Madrid y el 27 en Badajoz. Prémienle de nuevo y vayan a verlos. Pero recuerden: réstense años, observen cómo manejan su delicada maquinaria escénica y disfruten de cómo le muestran su historia y demuestran su magia, que lo mismo es. (también se puede ver en http://www.masteatro.com/)

10.20.2011

crítica THE GRAFFITI CLASSICS_ FEST sevilla 20 octubre



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Topo_Teatro Duque/La Imperdible
Acontecimiento_ THE GRAFFITI CLASSICS

Lo que ha ocurrido hoy en la recta final del FEST, demuestra una vez más la variopinta cocktelera teatral y musical que está suponiendo esta semana la capital hispalense. La pareja de violines, el cello y el contrabajo venido y traído desde el Reino Unido ha “obligado” al respetable que hoy ha acudido en masa a la Plaza del Duque a tocar las palmas a ritmo de Strauss y Bizet y a entusiasmarse durante casi una hora y media de virtuosismo en 16 cuerdas.

La pretensión de The Graffiti Classics se ha visto no sólo alcanzada sino también recompensada. Vibrantes, hiperbólicos y fanáticos con su trabajo, los músicos de este cuarteto mantenían un estupendo pulso con la audiencia sin caer en tópicos, sin emular a nadie y aportando pinceladas sugerentes propias de un musical al uso. Y risas, muchas risas; y las palmas, muchas también las cuales daban buena prueba de ello.

Ha habido tres instantes de buen gusto escénico: la recreación de los sonidos de un barco, gaviotas incluidas -más que curioso-; la autocrítica hilarante de la patria de Cathal O’Duill (canto y contrabajo), Guinness incluida -lo socarrón al final del trago no tiene desperdicio-,y la participación de una espectadora en un triángulo pseudoerótico con el instrumento de este divertidísimo irlandés también incluido.

Así que rozando la parodia predecible, acercándose al lirismo, bordeando los ballets más folk y tentando la grata disposición del público, The Graffiti Classics consigue su éxito : en un “como si” placentero, en un hilar muy fino, en permutar sonrisa por risa, aplauso por silencio cuando ellos lo desean, gracias a una extraordinaria habilidad músical tal y como reseñó en su día el diario The Times de este cuarteto iniciado en el Covent Garden.

A sus espaldas, desde giras internacionales hasta actuaciones privadas a la familia real inglesa y un merecido “The Spirit of Fringe” en el Festival de Edimburgo. Y en sus piernas, el ritmo de las melodías que tocan que incluyen desde tango hasta can-can. Cantidad y calidad. Fogosidad y coreografías simpáticas que colorean sus interpretaciones de los clásicos de siempre. A destacar que todo esta labor se proyecta en agradar tanto al público adulto como a los más pequeños. En la sala se podía ver a niños que seguían los compases de esta troupe sin dejar de pasárselo en grande y divertirse con piezas de Bach o Pachelbel.

Bis al final. Espectadores en pie. Bravos operísticos. Reverencias y más aplausos. Y nosotros que hemos disfrutado como ya lo han hecho en medio mundo de este, como ya lo ha calificado la crítica experta, “concierto familiar“.Mañana, repiten. Anímense a probar con estos virtuosi de andar por casa acompañados de su humor elegante y sin faltar, insisto, el buen gusto. En el Teatro Duque/La Imperdible y a dos días de la clausura del FEST.

10.17.2011

crítica UPPER_chinabaus danza_ sevilla FEST 17 octubre




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Topo_Centro TNT

 

Trataré y me esforzaré para describir desde aquí el no-aliento, la distorsión, los pálpitos. Trataré como pueda de dibujarles manos que empujan el aire, dedos que ruegan silencio y doce puertas que en un abrir y cerrar de giros que las abren y las cierran, tensan la caja azulada donde Upper cobra vida.

Trataré también de hacerles llegar las decenas de músculos y tendones que comunican desasosiego; la extensión y la distensión; la implosión y la explosión que bulle en piernas y brazos de los bailarines a cargo de Juan Dolores Caballero dentro de esa marmita celeste que es Upper.

Trataré de transportarles los violines iniciales del Petit Comité Ensamble que evocan a Bach, pues así les llevaría de la mano -como han hecho conmigo- a un salón de té en Viena, para que luego las Variaciones Goldberg se transformen o reconstruyan en un rock vanguardista.


Pero, ¿cómo convencerles de que lo deforme, lo bruto, puede inspirar una compasión exacta viendo a seres agitados que de repente metamorfosean en alucinaciones propias de un lienzo del Bosco? Es… alucinante. Y a la bailarina que los sortea, los acucia, los abraza y los repele también la dejan tan alucinada como a nosotros.
Upper es cómo abrir la puerta del búnker mientras nos sobrevuela un tornado; o cómo no querer despertar de un mal sueño (“El sueño de la razón produce monstruos”) para bailar hasta rompernos con nuestros propios íncubos. Las puertas se han de abrir con sigilo, si no, Upper se nos presentará en carne y hueso, en músculos infatigables de energía danzante, de electricidad en los tendones y torsos de estos bailarines tan incombustibles (Noriega, Santacruz, Gude, Pinelo, Fuentes, Gómez y Pérez).


La caravana mágica del FEST sigue por las calles de Sevilla. Un itinerario que nos va recordando que el Hombre sigue siendo frágil aunque sea rey, según Atalaya, y que su alma está en un hilo según Luca Nicolaj, y que los hilos mueven una rueda que no podemos controlar, según Theater Tuig y, que si se nos ocurre detenerla, los seres danzantes de Upper salen en nuestra busca y captura sin que tengamos escapatoria, aunque veamos doce puertas blancas abriéndose de par en par.


He tratado de contarles lo que he visto. No sé si lo he logrado. Si no, el FEST les espera.


























photo by Alvaro Osuna.








10.15.2011

crítica THEATER TUIG_schraapzucht_ FEST sevilla 15 octubre





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Segunda parada y posta en el FEST. Esta vez el topo localizado sobre la gran explanada del Monasterio de Santa María de las Cuevas, en el antiguo recinto de la Expo 92. Sobre césped y con la fachada del monasterio al fondo, la maquinaría de cuerdas y poleas, el misterioso juguete renacentista del artista Marc van Vliet nos alecciona sobre la Avaricia.


Rodeando al artefactum, nosotros, el público/los mortales, sentados en sencillas baldas de madera dispuestos a presenciar un enigma con la actitud de un niño; una incógnita intrigante que se va desenredando como las múltiples sogas que engalanan a dicho artefactum para contarnos algo aparentemente naive, pero tan justo y necesario como que no somos dueños de nada, que nada de lo que poseemos es transportable cuando nos despedimos para siempre; que pensamos que todo lo que podemos tocar es posesión nuestra y absoluta; que el disfrute puede ser perpetuo, que la relajación mientras permanecemos tumbados, el calor que nos proporciona el fuego puede ser, sino eterno, al menos duradero mientras nosotros, los que nos creemos infalibles, genuinos, gigantes, merecedores y hacedores, lo deseemos u ordenemos. No obstante, si nos sentamos sobre las sencillas baldas de madera, a modo del circo aislado que dispone Theater Tuig, si nos dejamos embaucar por los acordes electrónicos acertados, si ponemos un mínimo de atención en su coordinada, exacta actividad escénica, en lo doméstico, en lo cotidiano transmutado en síntesis de lo superfluo, podríamos aprender que los hilos que nos mueven, aunque queramos pensar que nosotros somos los artífices, penden de unas Manos superiores, y, que si se nos ocurre ofender a esas Manos, si le alzamos la voz a algún dios del Olimpo por muy ridículo que éste nos parezca, él sabrá muy bien qué hacer con nuestras vidas, igual de eficaz que Marc van Vliet lo sabe hacer con su audiencia, con nosotros, con los mortales.

Segunda parada en el FEST. Segunda satisfacción. Welcome to Elsinor o bienvenidos a Sevilla.

crítica EL ALMA EN UN HILO. cía luca nicolaj. sala la fundición.sevilla.oct 2011.








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Arranca mi particular FEST -festival escénico contemporáneo de Sevilla- en la Sala La Fundición, uno de los topos en donde se irá desarrollando este acontecimiento hasta el 22 de octubre. La pieza que vi ayer: El alma en un hilo de Luca Nicolaj, con Manolo Caro, Pau Cólera y Marga Morales. Hasta el domingo.


El tema es obvio: su cartel nos prepara y advierte: la muerte. Obvio y arduo a la vez. Tantas las versiones, tantos los puntos de vista que se han establecido para subir a la Muerte y a nosotros frente a ella a escena, que sólo cabe considerarlo, además de un valiente atrevimiento, una responsabilidad para con el espectador. El rasero se lo puso alto el propio Nicolaj, y éste a su vez a su terceto de intérpretes. Y de paso, al público que asiste. Pirandello sostenía que al espectador hay que meterle el dedo en el ojo, que no se ha de quedar en la butaca sin más ni más, cómodo, pasivo… La propuesta de Nicolaj es, a mi parecer, la misma. Sin embargo, dado los tiempos que corren de espectadores impacientes y “sobrados de sabiduría”, esa fiereza pirandelliana queda transmutada por este director/autor en un espectáculo donde las palabras se van quedando a medio camino entre el personaje y el espectador, queda interrumpido el sentir del personaje casi hilvanado, acaso un par de puntadas; por ende, el texto debe escrito y reescrito por nosotros mismos: es nuestro deber, y por ello alabo esta propuesta escénica; debemos rematar lo que se nos va lanzando desde las tablas, ya que en esto se basa El alma en un hilo, en palabras del director: “me he detenido en el proceso de la muerte considerándolo una cita con uno mismo”.


Instantes de elegancia visual repartidos durante esta performance elaborada: no se pierdan a Marga Morales “leyendo” flores, o el frenetismo danzante de espasmos divertidos que agradecemos a Pau Cólera; o el maestro de ceremonias en ese limbo, ese cuadrilátero/osario que interroga sin querer con histrionismo controlado a sus compañeros de ¿viaje? de Manolo Caro.


El resto de muralla árabe que quedaba al descubierto al fondo de la caja de la Fundición dotaba al espectáculo de la aridez y realidad necesarias. Un acierto.

Al final de la obra, como autor y director, le comuniqué a Luca Nicolaj mi parecer sobre su espectáculo agradecíéndole que me dejara/nos dejara una puerta abierta a esa forma de puesta en escena donde la rareza de cómo se siente el texto junto con el tejido de luces, elementos y música, aparecen como una vía abierta para aquéllos que nos dedicamos a contar los temas de siempre. Y como decía ayer Manolo Caro: “la vida nos engaña, pero la muerte, no”. Y el Teatro, ¿nos engaña?

10.12.2011

premios escenarios 2011_sevilla_ las imágenes

Con la genial María Alfonsa Rosso, nominada intérprete femenina por "Ultimos días de la puta libertaria"






Nominaciones




Entrega del premio intérprete femenina a Paz de Alarcón por "El baúl de la Piquer"









Discurso de apertura de Jose María Roca/Producciones Imperdibles




Actuación Maravilla Gypsy Band



Premio a Lucía Vazquez de Danza por "7pecad2 capitales"_ Prod. Imperdibles.





Fin de fiesta_premiado/as

teatro duque + teatro fiesta = prevenido telón! (premios escenarios sevilla 2011)






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Los festeros metales y tambores coloreados por los cimbreos de cinturas de Maravilla Gypsy Band dio el pistoletazo de salida ayer noche en el Teatro Duque/Imperdible a los Premios Escenarios Sevilla 2011, y con ello el surtido batallón de producciones escénicas que se desarrollarán en la capital hispalense a partir de ahora.


Un patio de butacas sin butacas preparado así para el evento donde invitado/as, cómico/as, bailarine/as, profesionales de esta galaxia sureña teatrero/teatral, jurado -donde me incluyo- amigos y familias, tomaban sus copas, picoteaban, reían, jaleaban, se inquietaban, aplaudían y alguno/a que otro/a se contoneaba al ritmo y compás de la sui generis y dulce bullanga de la banda callejera y sus notas. La entrega de premios y la apertura del Fest se convirtió en un encuentro distendido, ameno y sobre todo, cercano. En esta tierra mía donde tanto nos gusta eso de estar de pie birra en mano, comentar y requetecomentar, beber, también sabemos estar sin perder puntada, ni juicio, ni espíritu crítico de cuanto nos rodea. Se contó y se reclamó todo regado de rigor, emoción y simpatía. Canon hispalense per secula seculorum.


Tras un video de presentación donde se aglutinaba gran parte de los espéctaculos de la ciudad de Sevilla de la temporada pasada, el director de La Imperdible Producciones, José María Roca, analizaba cifras y letras de la situación escénica hispalense en España llegando a la conclusión de la afortunada posición de Sevilla en este ranking. A su firme misiva de seguir en la brecha, se uniría más tarde uno de los premiados, Juan Dolores Caballero “El Chino”, donde hacía hincapié, aún más si cabe, en este sentido de lucha. Ahí nos dejó la pregunta al más puro Saramago style: “Si no seguimos aquí, con lo mucho, con lo poco, ¿qué cultura le dejaremos a nuestros hijos?” Ole.

Pavón, subdirector de El Diario de Sevilla, también premiado este periódico, remató acertadamente la faena.


A medida que pasaban los minutos, el jolgorio escalaba puntos, el jaleo lo aderezaba, la ristra de nominaciones y premios aumentaba el calor en la platea-bar y los vítores y abrazos se iban repartiendo a diestro y siniestro. Un emocionado y chisposo Juanjo Macías por La gloria de mi Mare; Upper y sus bailarines, esa juventud que salta y baila de alegría; una Paz de Alarcón a quien le entregué el Premio a la Intérprete Femenina (se eliminó el adjetivo “mejor” con muestra de gentileza a todos los participantes en general) con bebé en brazos igualmente agradecida y emocionada (sabía frase Linamorganera) dejando claro que su amor son las tablas aunque la veamos en la pequeña pantalla.


Tras el fin de fiesta, la fiesta prosiguió. Debo resaltar mi encuentro con María Alfonso Rosso, también nominada por Ultimos días de una puta libertaria, a quien no conocía yo personalmente. La Rosso, mágica igualmente fuera y dentro de las tablas, agradecía a masteatro.com por mi crítica a ella y a su obra. Su sonrisa y verborrea atropelladamente genial y de ingenio, puso el broche -mi broche- final y personal a esta gran noche para las artes escénicas sevillanas donde la diversión, la rectitud y el buen hacer fue la tríada imperante.

Enhorabuena a los nominados y premiados, a Noletia-La Teatral por confíar en mí como parte del jurado de estos Premios, a Producciones Imperdibles por la risueña bienvenida que me dio al llegar a la sala y, principalmente, a esta web de masteatro por acoger mis críticas.




10.09.2011

crítica SE ALQUILA SOFA-CAMA.Sala Cero Producciones. Sevilla.

esta crítica también se puede ver en www.masteatro.com revista de actualidad teatral.
















SE ALQUILA SOFÁ-CAMA de Juan Alberto Salvatierra.

Dirección: Julio Fraga.

Sala Cero Producciones. Actores: José María Peña y Elías Sevillano.
Sala Cero Sevilla. Del 16 de septiembre al 16 de octubre.
 SE ALQUILA OBRA…

Tal vez tenga yo que resetearme y configurarme para asimilar una actual definición de “clown”, o de “cómico” o de “humorista” porque lo que ayer vi en la Sala Cero sevillana no se adapta -pobre de mí- a ninguno de estos conceptos. Es la segunda obra que veo ya en lo que va de temporada de Juan Alberto Salvatierra y estoy en ascuas por asistir algún día -que no leer, porque ya con estas dos he cumplido parte del calvario- a la archiconocida El Rey de Algeciras con la que ganó el Romero Esteo en el 2003, ya que tanto La balada de los Espías -salvada por el reparto y el pianista- como esta del sofá-cama -hundida por “se busca culpable”- no vislumbro yo todavía ni el encanto, ni la magia ni lo divino/trascendental de su dramaturgia.

Pero volvamos a lo de ayer, al cuerpo del delito. Delito pensar que estaba yo obligado a desternillarme de risa cada segundo, o a aplaudir en unos silencios que me destartalaban pensando que así saldría más tarde de la sala (por cierto, aforo lleno… Cosas de mi tierra, cosí fan tutte…), era una chanfaina descafeinada, “malaje”, desaborida, un querer y no poder partiendo de los siguientes ingredientes: el Club de la Comedia, Aquí no hay quien viva, Epi y Blas, Teatro para escuelas de primaria, Taller de clown municipal para distritos y un topping de circo de provincias que convertían a la obra en un je ne sais quoi de pamplinadas, muchachadas nuis estiradas hasta romperse y payasadas en bucle donde no se sabía en qué lugar quedó el texto de Salvatierra y dónde permitieron la improvisación (¿?) a los hermanos menores de Faemino y Cansado.

Sorprende igual o más que en el programa de mano aparezca la nomenclatura “Dirección de arte”. ¿Qué es un director de arte hoy en día? Pero, sobre todo, ¿dónde está el “arte” de Gonzalo Narbona en su dirección? ¿También debo redefinir mi concepto de “arte”? ¿O quizás estoy ante un abanderado de las artes escénicas clownescas y no me he enterado? Señoría, no hay preguntas.

También la sintonía musical de Santi Martínez destila el mismo “arte” o más que su colega: aparte de un volumen atronador y una insistencia machacona cada diez o dos minutos es, modificando un par de acordes, idéntica a la de Aquí no hay quien viva. ¿Debo suponer que es para familiarizarme con el tipo de género que han creado con tanto “arte”? El momento Epi+Blas cubierto el dúo con un colcha a cuadros hizo las delicias a cuantos infantes había en la sala. Sus papás: pletóricos.

La cuestión es que tocando temas como las entrevistas de trabajo, la convivencia en un piso de alquiler (escenografía no-original copiada a Animalario), cuernos, concursos de televisión, olvidando ya lo manido de todo esto, y más en clave de humor o “la grasia de mi tierra“, se le podía haber sacado una punta sin igual. No dudo de la capacidad actoral de Peña y Sevillano, pero no sé qué mano mueve, no la cuna, sino ese sofá que da título a una obra de un color tan indefinido como su tapicería. Y va por su tercera temporada… Tal vez deba resetearme o entender a Salvatierra. Ojú.

10.05.2011

premios escenarios 2011_sevilla_

Comunicaros mi enorme contento por ser miembro integrante del jurado en los Premios Escenarios 2011.

Más información sobre dicho evento y sus características a continuación.

Inauguración de la Temporada de Artes Escénicas de Sevilla_

Los profesionales del teatro de la escena sevilllana se darán cita ante la apertura de los espacios escénicos tras el cierre estival en el Teatro Duque - La Imperdible el próximo martes 11 de octubre 2011 a las 21'00 horas.

Este año, los Premios Escenarios vendrán acompañados de un concierto de La Maravilla Gypsy Band.


Se entregarán los Premios Escenarios como reconocimiento a los trabajos y artistas de la producción escénica sevillana de la temporada anterior. Al igual que en 2010, habrá tres finalistas por categoría.

Todo ello a cargo de Noletia_ La Teatral.






9.25.2011

momentum 42_la muesca



X.- No quiero verte más. Y si te pones delante de mí, miraré hacia otro lado. Eso es todo.

Y.- (...).

X.- Para mí es como si estuvieras muerto.

Y.- ( ...)

X.- Al final más de uno tenía razón.

Y (silabeando casi).- Por eso no me quieres volver a ver nunca más.

X.- Por eso te he estado eliminando allá por donde ibas apareciendo, o por donde yo tenía la sospecha de que podrías aparecer.

X.- Lo he notado.

Y.- Lo has notado, ¿verdad?

X.- Perfectamente. Hay que ser imbécil para no darse cuenta.

Y.- Así están las cosas.

X.- Deduzco entonces que me has eliminado de tu vida.

Y.- No seas cínico. No deduzcas. Es como es. Estás fuera de mi vida. Y punto.

X.- ¿Me dejas decirte algo?

Y.- ( ... )

X.- Es legítimo el derecho a réplica, ¿no? Al menos por el tiempo que hemos compartido.

Y.- Di lo que tengas que decir. Nada de lo que digas o hagas me va a hacer cambiar de opinión.

Pausa

X.- Hace mucho tiempo, más del que tú te imaginas, fui yo el que te había eliminado de mi vida.

Y.- Y yo voy y me lo creo.

X.- Puedes pensar lo que te apetezca. A tu edad, el ímpetu se llevará por delante a la sensatez, así que tu altanería y tu ofuscación están justificadas. Noté cómo lo nuestro se había quebrado lo bastante para que aquéllo ya no fuera perfecto, ni conveniente, ni sano, pero sí revelador. La muesca en el vaso estaba ahí, y yo, cada vez que estaba contigo, me sentía obligado a beber en ese vaso. Y así lo hacía, pero con la cautela suficiente de no hacerlo por donde estaba esa mella. Con el tiempo me di cuenta de que te tenía que expulsar de mi vida cuanto antes, porque el día menos pensado, cuando yo tuviera mucha sed, bebería de ese vaso sin pensar en aquella hendidura y mi labio sangraría. Y lo peor de todo: ninguna palabra tuya bastaría para sanarme.

Y.- No sé cuándo ocurrió eso pero lo que sé es que seguías ahí. (Aparentemente triunfal) Te tenía atrapado.

X.- Claro que seguía yo ahí, porque me tenías atrapado, y mucho, pero a mí también me interesaba. Era sólo una muesca en el vaso, pero hasta que el vaso no se partiera, yo podía seguir bebiendo en él. Me interesaba que mis planes, en los cuales tú participabas, se cumplieran en mayor o menor medida. Te tenía que hacer trabajar tanto como tú me habías hecho trabajar a mí. Te tenía que inquietar tanto como tú me habías inquietado a mí. Y ahora vas y me vienes con frases de tragedia griega cuando ante mí, te lo aseguro, sólo estás interpretando una ópera bufa. Pero a tu edad es normal. Piensas que el punto y final lo has puesto tú cuando ni siquiera sabes ortografía. Y sí, claro que me seguirás viendo. Siempre. La memoria se dedica a juegos muy crueles. ¿Te suena?

Pausa breve

X.- Sabes que al final me he salido con la mía, porque en mayor o menor grado, has trabajado para mí. Y porque las luces ya las había apagado yo mucho antes.



de la obra ©DEADLINES de carlos herrera carmona.